Ándeme yo caliente

Ándeme yo caliente
Y ríase la gente.

Traten otros del gobierno
Del mundo y sus monarquías,
Mientras gobiernan mis días
Mantequillas y pan tierno,
Y las mañanas de invierno
Naranjada y aguardiente,
 Y ríase la gente.
 Coma en dorada vajilla
El príncipe mil cuidados,
Cómo píldoras dorados;
Que yo en mi pobre mesilla
Quiero más una morcilla
Que en el asador reviente,
 Y ríase la gente.
 Cuando cubra las montañas
De blanca nieve el enero, 
Tenga yo lleno el brasero
De bellotas y castañas,
Y quien las dulces patrañas
Del Rey que rabió me cuente,
Y ríase la gente.
 Busque muy en hora buena
El mercader nuevos soles;
Yo conchas y caracoles
Entre la menuda arena,
Escuchando a Filomena
Sobre el chopo de la fuente,
Y ríase la gente.
 Pase a media noche el mar,
Y arda en amorosa llama
Leandro por ver a su Dama; 
Que yo más quiero pasar
Del golfo de mi lagar  
La blanca o roja corriente, 
Y ríase la gente.
 Pues Amor es tan cruel,
Que de Píramo y su amada
Hace tálamo una espada,
Do se junten ella y él,
Sea mi Tisbe un pastel,
Y la espada sea mi diente,
Y ríase la gente
Luis de Góngora
Nos encontramos delante de una letrilla satírica que Góngora compuso para ridiculizar el poder. Esta letrilla obedece a un procedimiento típico de la poesía del Siglo de Oro, que consiste en tomar un refrán, en este caso "Ándeme yo caliente / Y ríase la gente" y glosarlo en una serie de estrofas.
Vemos que después de mostrarnos el refrán que desglosará, en los dos primeros versos nos explica que su visión del mundo va más allá de gobiernos y monarquías. Sigue mostrando en los siguientes dos versos que su visión del mundo es muy personal "mientras gobiernan mis días", tan personal que es cotidiano "mantequillas y pan tierno (...) naranjada* y aguardiente". *naranjada= mermelada de naranja.
En la siguiente estrofa Góngora nos explica que no envidia la vida lujosa, prefiere vivir de manera sencilla porque sabe que vivir como principes, como personas con poder es vivir una vida llena de preocupaciones. El alimento de los poderosos son los problemas, mientras que el suyo es comida real, de la tierra. Los cuidados del segundo verso se comparan con píldoras porque por ese entonces era costumbre recubrir las pastillas medicinales con un baño dorado para que resultasen más atractivas "como píldoras dorados". En los últimos versos Góngora nos dice que se conforma con poco. 
En esta estrofa Góngora cuenta que le encanta la vida sencilla, le gustan las cosas simples como comer castañas cerca del brasero mientras escucha cuentos un día frío de enero. En esta estrofa se hace referéncia a las "patrañas" cuentos inventados, histórias toatlmente falsas y Góngora nos habla de "El Rey que rabió", esto hace referéncia a un cuento tradicional donde un monarca se disfraza de pastor para pasar de incógnito entre sus súbditos. 
En la siguiente estrofa el autor nos remarca la idea de que el poder y el lujo no estan hechos para él ya que lo sencillo le basta. En el segundo verso habla de "nuevos soles" refirèndose a que el mercader busca nuevas tierras, nuevos países para comerciar y hacerse rico y nos lo compara en los siguientes versos con la accion de buscar que tiene el poeta, mucho más simple y calmada como es buscar conchas en la arena. Nos muestra que le encanta la naturaleza que tiene a su alrededor y que esta le basta, no necesita marchar como hace el mercader. Disfruta de las conchas, del ruiseñor "Filomena", el chopo y la fuente. 
(...)

Soneto XIII

A Dafne ya los brazos le crecían,
y en luengos ramos vueltos se mostraba;
en verdes hojas vi que se tornaban
los cabellos que el oro escurecían.

De áspera corteza se cubrían
los tiernos miembros, que aún bullendo estaban:
los blancos pies en tierra se hincaban,
y en torcidas raíces se volvían.

Aquel que fue la causa de tal daño,
a fuerza de llorar, crecer hacía
este árbol que con lágrimas regaba.

¡Oh miserable estado! ¡oh mal tamaño!
¡Que con llorarla crezca cada día
la causa y la razón porque lloraba!


                        Garcilaso de la Vega

El poema habla del amor imposible haciendo referencia al relato de la mitología griega "Apolo y Dafne".

Este soneto de Garcilaso de la Vega habla sobre el amor impossible, para ello recrea el pasaje culminante del mito griego de la ninfa Dafne, quien rechazó el amor de Apolo (Dios de la poesía y la música). Este mito cuenta que cierto día, en un arrebato de pasión, Apolo decidió tomar a Dafne por la fuerza. La ninfa echó a correr y pidió socorro a su padre, el río Peneo, quien se valió de sus poderes sobrenaturales para convertir a Dafne en un laurel y salvarla así del abuso.
La primera estrofa habla del momento en que Dafne empieza a convertirse en laurel. "y en luengos ramos vueltos se mostraba;" = "y aparecían convertidos en largas ramas;". En el tercer verso Garcilaso se incluye a sí mismo en el poema hablando en primera persona "hojas vi". El autor intenta hacer entender que el se siente como Apolo, un desgraciado en el amor. En esta primera estrofa vemos de manera muy clara el inicio de transformación de Dafne. El último verso explica que a Dafne le brillaba tanto el cabello que a su lado el brillo del oro era insignificante, quedaba oscuro a su lado.

La segunda estrofa nos sitúa justo cuando Dafne está en medio de la transformación. Garcilaso usa recursos sensoriales para dar una visión muy plástica del cambio de Dafne "en tierra se hincaban".

La tercera estrofa habla de Apolo. En el segundo verso explica que Apolo ansiaba poseer a Dafne. En el último verso vemos que Dafne ha completado su transformación, ya es un árbol.

En la última estrofa Garcilaso de la Vega nos explica cómo en ese amor imposible el recuerdo de la amada lo hace estar más triste. "oh mal tamaño" = "un gran dolor". Usa la repetición para dar énfasis a su dolor.

AYER TE BESÉ EN LOS LABIOS

Ayer te besé en los labios

"Ayer te besé en los labios.
Te besé en los labios. Densos,
rojos. Fue un beso tan corto
que duró más que un relámpago,
que un milagro, más.
El tiempo
después de dártelo
no lo quise para nada
ya, para nada
lo había querido antes.
Se empezó, se acabó en él.

Hoy estoy besando un beso;
estoy solo con mis labios.
Los pongo
no en tu boca, no, ya no
-¿adónde se me ha escapado?-.
Los pongo
en el beso que te di
ayer, en las bocas juntas
del beso que se besaron.
Y dura este beso más
que el silencio, que la luz.
Porque ya no es una carne
ni una boca lo que beso,
que se escapa, que me huye.
No.
Te estoy besando más lejos."
                                    
                                  Pedro Salinas

En este poema Salinas escribe sobre una persona que recuerda un beso tan maravilloso que no le ha sido imposible olvidar la sensación; un beso tan intenso que hizo llegar al narrador a otro mundo. A través de este beso, el poeta nos conduce a un mundo de sentimientos y sensaciones.

La primera parte comprende los versos 1 al 10. Describe sus labios y el beso dado, sus sensaciones. Habla en tiempo pasado (ayer)


La segunda parte comprende los versos 10 al 26. Habla del beso en general. Utiliza el presente (Hoy). Es una reelaboración a través del recuerdo de "ese" beso. 

Desde su soledad el poeta evoca el beso pasado y explica que el acto del recuerdo parece más real que el mismo beso (versos 12 al 19).


A través de comparaciones (silencio, luz) el poeta nos transmite la idea de que el recuerdo presente del beso pasado, que también se extiende al futuro "no es una boca lo que beso... te estoy besando más lejos" es metáfora del sentimiento amoroso perdurable y esencial que se extiende más allá de lo carnal.


En este poema Pedro Salinas nos describe un beso y como esa descripción nos puede conducir a lo que expresa de verdad: el amor a través de un beso.

EL NOMBRE CONSEGUIDO DE LOS NOMBRES: SI YO, POR TI, HE CREADO UN MUNDO PARA TI

El nombre conseguido de los nombres: si yo, por ti, he creado un mundo para ti

"Si yo, por ti, he creado un mundo para ti, 
dios, tú tenías seguro que venir a él,
y tú has venido a él, a mí seguro,
porque mi mundo todo era mi esperanza.

Yo he acumulado mi esperanza
en lengua, en nombre hablado, en nombre escrito;
a todo yo le había puesto nombre
y tú has tomado el puesto
de toda esta nombradía.

Ahora puedo yo detener ya mi movimiento,
como la llama se detiene en ascua roja
con resplandor de aire inflamando azul,
en el ascua de mi perpetuo estar y ser;
ahora yo soy ya mi mar paralizado,
el mar que yo decía, más no duro,
paralizado en olas de conciencia en luz
y vivas hacia arriba todas, hacia arriba.

Todos los nombres que yo puse
al universo que por ti me recreaba yo,
se me están convirtiendo en uno y en un dios.

El dios que es siempre y al fin,
el dios creado y recreado y recreado
por gracia y sin esfuerzo.
El Dios. El nombre conseguido de los nombres."
                             
                                                                Juan Ramón Jiménez

Este poema no tiene estructura métrica, ni rima. Son versos libres. El tema de este poema es la búsqueda de la perfección poética. En el poema, Juan Ramón Jiménez afirma haber encontrado la perfección a la que él llama Dios. 

Primero habla de lo mucho que se ha esforzado el autor para conseguir hacer la poesía perfecta. En la tercera estrofa, dice que ha llegado a esa perfección y por tanto que ha cumplido el objectivo de su vida y en conseqüencia ya puede morir en paz. 

En la cuarta y quinta estrofa, habla otra vez de ese Dios de la poesía, afirmando que lo ha creado y que gracias a ello su poesía es perfecta.
Para Juan Ramón Jiménez este Dios es una conciencia que se plasma en la belleza de su poesía, mundo hecho de lengua. El “universo” resultante de esa creación esta compuesto por el agua (mar), el aire (aire inflamado) el fuego (llama) y la tierra.

BREVE BIOGRAFÍA DE DÁMASO ALONSO

DÁMASO ALONSO

Nació en Madrid en el 1898 . Fue profesor en varias universidades y director de la Real Academia de la Lengua.  Sus estudios de la lírica tradicional y la inspiración gracias a Góngora marcaban sus inicios literarios hasta que la guerra civil irrumpe en su vida y sus obras empiezan a convertirse en poesía social. La dura experiencia de la guerra civil hace que su poesía trate de la angustia existencial y la conflictiva relación con Dios y la muerte. Dámaso utiliza el verso libre y un lenguaje muy rico en léxico. También usa giros expresivos que tienden al prosaísmo (falta de armonía o entonación poéticas, que es simple y vulgar) y al monólogo. También es propio de su poesía las imágenes macabras y alucinadas.

BREVE BIOGRAFÍA DE VICENTE ALEIXANDRE

VICENTE ALEIXANDRE

Su máxima influencia fue el surrealismo francés, sabe plasmar el inconsciente del ser humano. La mayoría de sus obras son muy pasionales al igual que sus títulos (La destrucción o el amor). Pese al contexto de la guerra Vicente sigue escribiendo obras de amor muy pasionales que expresan la belleza esencial. Más tarde, su obra da un giro de 180 grados y se convierte en un referente moral, su obra se solidariza con los que sufren y guía a estos para que alcancen la comprensión de la existencia. Poco a poco Vicente empieza a hacer una poesía más filosófica y existencial.

BREVE BIOGRAFÍA DE GABRIEL CELAYA

GABRIEL CELAYA

Su obra poetica empezó con la influencia de las vanguardias. Sus primeros poemarios reflejaban preocupaciones existenciales y estaban influenciados por el romanticismo y el surrealismo. Su obra va evolucionando y pasa a ser una figura importante en la lucha antifranquista. Su poesía es crítica y de denuncia social que muestra en primer plano las circunstancias históricas de la dictadura. Celaya defiende la sencillez expresiva. Su obra poetica acaba convirtiéndose en una poesía experimental que recupera sus orígenes vanguardistas.

BREVE BIOGRAFÍA DE BLAS DE OTERO

BLAS DE OTERO

Se ha dicho que la trayectoria poética de Otero resume la evolución de la poesía en la España de posguerra. Nació en Bilbao en 1916. Su padre murió y el tuvo que mantener a su familia lo que le hizo compaginar la escritura con los diversos trabajos que tuvo. La presión que conllevaba tener que cuidar a una familia entera y que lo despidiesen de cada uno de los trabajos que conseguía se unió a su carácter depresivo. En los inicios de su poesía se muestra su carácter depresivo, su espíritu luchador y una profunda crisis religiosa. Blas se rebela contra un Dios que no le ayuda e intenta aliviar su soledad a través del amor. Escribe sonetos con muchos recursos expresivos y cargado de dramatismo. Más tarde, La inquietud social y la solidaridad con los que sufren provocan un giro en su poesía. A partir de entonces usa un lenguaje desprovisto de retórica, denuncia la opresión y la falta de libertad en España y describe sus tierras con una mezcla de amor y tristeza. Ya en sus últimas obras se libera de las estructuras literarias y medita con serenidad sobre su vida y cuestiones socio-políticas i estéticas.


EN EL PRINCIPIO

En el principio

Si he perdido la vida, el tiempo, todo
lo que tiré, como un anillo, al agua,
si he perdido la voz en la maleza,
me queda la palabra.

Si he sufrido la sed, el hambre, todo
lo que era mío y resultó ser nada,
si he segado las sombras en silencio,
me queda la palabra.

Si abrí los labios para ver el rostro
puro y terrible de mi patria,
si abrí los labios hasta desgarrármelos,
me queda la palabra.


Blas de OTERO


El poeta expresa que puede perderlo todo, pero que nunca le quitaran la palabra.

En la primera parte, el autor nos introduce a lo que será el resto del poema y nos dice que después de haber perdido toda la vida lo único que le queda es la palabra.

En la segunda parte el poeta transmite sus sufrimientos y decepciones, como el hambre y la sed y el haberse dado cuenta de que todo cuanto tenia no le ha servido de nada. Al final repite que lo único que le queda es la palabra.

En la tercera parte el poeta consigue ver, con mucho sufrimiento, el verdadero rostro de su patria. Nos dice que ya no es como era, es una vision desoladora y por eso querría quitarse los ojos.

El poema tiene una rima libre en los dos versos centrales de cada estrofa y sólo riman el primer y el último verso de cada estrofa. Un gran recurso es la repetición de "todo" que da un acento más dramático a lo que se está diciendo.

-DRAMATISMO
-DESCRIBE SUS TIERRAS
-RECURSOS EXPRESIVOS

INSOMNIO

INSOMNIO
Madrid es una ciudad de más de un millónde cadáveres (según las últimas estadís-ticas).A veces en la noche yo me revuelvo y meincorporo en este nicho en el que hace45 años que me pudro,y paso largas horas oyendo gemir al huracán,o ladrar los perros, o fluir blandamente al luzde la luna.Y paso largas horas gimiendo como el huracán,ladrando como un perro enfurecido,fluyendo como la leche de la ubre calientede una gran vaca amarilla.Y paso largas horas preguntándole a Dios,preguntándole por qué se pudre lenta-mente mi alma,por qué se pudren más de un millón decadáveres en esta ciudad de Madrid,por qué mil millones de cadáveres se pudrenlentamente en el mundo.Dime, ¿qué huerto quieres abonar con nuestrapodredumbre?¿Temes que se te sequen los grandes rosa-les de día,las tristes azucenas letales de tus noches?
Dámaso ALONSO


El poema se divide en dos partes; La primera ocupa hasta el verso 13 (“una gran vaca amarilla…”) y es el comentario de una noticia periodística que llega a un estado trágico en que nos desvela su angustia.

La segunda parte del poema ocupa desde el verso 14 hasta el final y expone los interrogantes que guarda el poeta.

Un aspecto muy importante del poema y del poeta, es que no habla de personas, sino de cadáveres; de gente que aunque esté viva está muriendo por dentro (“me revuelvo y me incorporo)  nada cambia y no hay salida (“donde hace 45 años que me pudro”). Personas que al igual que el autor, se despiertan en mitad de la noche y se desvelan con su propia angustia existencial. Y mientras su angustia no les permite dormir, se distraen con el sonido del viento, con los ladridos de los perros y con la luz de la luna, interiorizándolos para olvidar sus propios problemas.

Implora a un ser superior, (mano “en la sombra” de todo lo que acontece en el mundo), y le hace culpable de al angustia de los hombres. El adverbio “lentamente” es hábilmente utilizado para crear la sensación exagerada.

Los últimos versos del poema son preguntas a Dios sobre la finalidad de su sufrimiento y la conversación pasa a una dimensión más personal (“Dime”). Se identifica el sufrimiento de las personas con el abono, para alimentar algún tipo de huerto desconocido. La segunda pregunta se centra más sobre de qué va a servirle la angustia de los hombres: o las cosas son positivas o son tristes, letales y nocturnas. 

Todo el poema se centra en la noche, como tiempo de la reflexión personal y del sufrimiento.

-HABLA DE DIOS Y DE LA MUERTE
-ESTRUCTURA LIBRE Y SIMPLE
-IMAGENES MACABRAS.

BREVE BIOGRAFÍA DE GARCILASO DE LA VEGA

GARCILASO DE LA VEGA

Sería difícil establecer si Garcilaso de la Vega supo más de la guerra o del amor. El poeta, que nació en Toledo hacia 1501, se pasó la vida sirviendo al emperador Carlos V en sus campañas militares, lo que le obligó a viajar por toda Europa, a jugarse el tipo en el campo de batalla, a ejercer como espía y a pelear contra corsarios en alta mar. De su vida sentimental sabemos poco, salvo que se casó y se enamoró, dos cosas que, en su época, rara vez iban juntas. Por lo visto, el gran amor de Garcilaso no fue su esposa, sino una dama portuguesa llamada Isabel Freyre a la que nunca pudo tener entre sus brazos, y que le hizo la mala pasada de morirse antes que él. Se cree que fue Isabel quien le inspiró sus mejores versos y quien le causó sus mayores tristezas, si bien no fue el amor sino la guerra lo que mató a Garcilaso. Corría el año 1536 cuando el poeta participó en el sur de Francia en el asalto de una fortaleza donde se había atrincherado el enemigo. Al trepar por una torre, recibió una pedrada brutal que le hizo caer al vacío y le causó una grave herida en la cabeza. Murió a los pocos días.
Garcilaso empezó su carrera literaria imitando la poesía de cancionero de versos tan ingeniosos como convencionales y fríos. En cambio, provocó una auténtica revolución cuando decidió aclimatar al castellano el estilo y la métrica propios de la poesía italiana. No sólo convirtío el endecasílabo en verso predilecto de la lírica española, sino que puso de moda el soneto, consolidó la imitación de los poetas grecolatinos, abrió la lírica de su tiempo al retrato de la naturaleza e instauró una nueva sensibilidad que fue imitada por cientos de jóvenes. Su mayor logro fue encontrar un modo de expresar los sentimientos que no sonaba grandilocuente y artificioso sino sincero y natural, pues se basaba en el uso de palabras comunes y en un tono íntimo y cercano que, en lugar de exagerar la tristeza al modo de los poetas de cancionero, destilaba una dulce melancolía y una serena añoranza que sigue conmoviendo a los lectores de hoy.

BREVE BIOGRAFÍA DE JORGE MANRIQUE

JORGE MANRIQUE

Hubo un tiempo en el que la poesía y la guerra no se llevaban tan mal como ahora. Buena parte de los poetas medievales fueron, de hecho, militares que tan pronto ensangrentaban los campos de batalla como escribían elegantes versos de amor. Tal fue la doble rutina que marcó la vida de Jorge Manrique, poeta soldado nacido hacia 1440 en el seno de una de las familias más ilustres de Castilla. Por lo que parece, Manrique nunca fue un guerrero brillante, pero compensó su mediocridad en las armas con un dominio ejemplar de las sutilezas de la poesía. Buena parte de sus versos están dedicados a expresa el goce y la incertidumbre que causa el amor, si bien a Manrique se le recuerda sobre todo por las Coplas que escribió al morir su padre, un destacado jefe militar a quien un cáncer se llevó de este mundo en 1476. Por supuesto, Manrique escribió sus Coplas con el propósito inmediato de lamentar la pérdida del ser querido, pero supo trascender la pura anécdota al convertir su poema en una lúcida reflexión, transparente y conmovedora, sobre el sentido de la vida y la tiranía inclemente del tiempo.

BREVE BIOGRAFÍA DEL MARQUÉS DE SANTILLANA

MARQUÉS DE SANTILLANA

Don Íñigo López de Mendoza nació en 1398 cerca de Palencia. Descendiente de una familia noble y poderosa, dedicó su vida, con similar fortuna, a la actividad política, militar y literaria. Tras el compromiso de Caspe (1412), que otorgó la corona aragonesa a la dinastía castellana de Trastámara, residió en la corte de Alfonso V el Magnánimo, donde trabó amistad con los grandes poetas catalanes Ausiàs March y Jordi de Sant Jordi, profundizó en la poesía de los trovadores y conoció las obras de los primeros humanistas italianos, Dante, Petrarca y Boccaccio. Con este bagaje intelectual se convirtió, más tarde, en uno de los pioneros de la cultura renacentista en Castilla, tanto en el ámbito personal, encarnando el modelo de cortesano, como en el terreno literario, cultivando una poesía erudita, llena de latinismos y alusiones mitológicas. La fama póstuma del marqués no se debe, sin embargo, a estas composiciones un tanto artificiosas, sino a sus serranillas, que funden la tradición popular castellana y el humorismo burlón del Arcipreste de Hita con la pastorela provenzal. Cuentan estos poemas cómo un caballero intenta seducir sin éxito a una campesina, que además de bella, demuestra ser prudente al evitar una relación que sólo podría perjudicarla, dada la distancia social que la separa del noble.

BREVE BIOGRAFÍA DE GONZALO DE BERCEO

GONZALO DE BERCEO

A los clérigos no les justaban los juglares. Les dolía que se ocuparan tan sólo de las cosas terrenales y los acusaban de convertir la poesía en un medio de propagación del pecado. Para contrarrestar su mala influencia, los clérigos se pusieron a escribir una poesía de orientación religiosa que animase a la gente a vivir de acuerdo con la fe cristiana. Así surgió el mester de clerecía, cuyo mejor representante fue Gonzalo de Berceo, un clérigo nacido en La Rioja hacia 1196. Berceo escribió nueve grandes poemas de tema religioso, entre los cuales el más conocido son los Milagros de Nuestra Señora, que relata con estilo sencillo y familiar veinticinco portentos obrados por la Virgen. La finalidad del libro es alentar el culto a la madre de Dios, cuyo poder supremo de salvación queda bien demostrado en el milagro XIV donde la Virgen lucha contra el poder devastador del fuego.

BIOGRAFÍA BREVE DE GUSTAVO ADOLFO BÉCQUER

GUSTAVO ADOLFO BÉCQUER

Cuando en diciembre de 1870 murió un oscuro periodista llamado Gustavo Adolfo Bécquer, nadie podía sospechar que sus poesías, la mayoría inéditas, se convertirían pronto en una de las obras más populares de la literatura española. Sevillano nacido en 1836 en el seno de una familia de pintores, a los 18 años Bécquer marcha a Madrid para dedicarse de lleno a la literatura. En la capital dirige una obra enciclopédica sobre los templos de España, pero la empresa fracasa, y en 1860 es contratado como redactor de El Contemporáneo, diario en el que Bécquer escribía tanto crónicas de sociedad como parlamentarias y donde publicó sus Leyendas. La revolución del 68 lo dejó sin empleo, y un año más tarde se separó de su esposa. Sin recursos y con la salud muy quebrantada, el poeta falleció a los 34 años. Las Rimas de Bécquer no sólo gozaron del favor del público, sino que estaban destinadas a cambiar el curso de la poesía española. Frente a la exaltación y la grandilocuencia románticas, Bécquer prefiere el tono intimista y la brevedad y sencillez formal en su retrato de la biografía del amor. La emoción y el sentimiento, que se manifiestan con sus más delicados matices, ganan así en autenticidad y lirismo, creando un mundo de sugerencias y evocaciones muy cercano al simbolismo y que sabrán apreciar en todo su valor poetas de generaciones posteriores como Rosalía de Castro, Juan Ramón Jiménez, los hermanos Machado, Salinas, Alberti o Cernuda. De este modo Bécquer, considerado a veces como postromántico, es en realidad el primer poeta español moderno.



-Opinión personal-

Personalmente creo que la obra de Bécquer es excelente; ya que, aún siendo un poeta moderno, en su obra hay muchos matices romànticos que definen de manera idónea el contexto de cada rima o cada leyenda. Sin estar nunca atado a la métrica, Bécquer consigue mantener el ritmo con la rima asonante y alcanzar una gran expresividad en toda su obra. Recomiendo la leyenda "El miserere" y la rima "Rima VII". 

BIOGRAFÍA BREVE DE JOSÉ DE ESPRONCEDA

JOSÉ DE ESPRONCEDA

La vida y obra del principal representante del romanticismo español (1808 - 1842) están marcadas por la lucha contra el absolutismo y la defensa de los ideales liberales, temas frecuentes en sus poemas políticos y patrióticos en los que condena la tiranía y exalta la libertad. En 1823 funda con otros jóvenes la sociedadsecreta "Los Numantinos", cuyos miembros serán detenidos por sus actividades contra el rey Fernando VII. En 1827 emigra a Lisboa y luego a Londres, Holanda y París. En la capital portuguesa se enamora de Teresa Nancha, hija de un exiliado liberal. A pesar de que ella es una mujer casada, ambos jóvenes emprenden la fuga y tienen una hija, si bien Teresa, cansada de las ausencias y amoríos del poeta, acabará por abandonarlo. A la muerte de su amada en 1839, Espronceda compone su dolorido "Canto II. A Teresa", que forma parte de El diablo mundo. La angustia y el desengañen también su poesía amorosa, como "A Jarifa en una orgía". Su estilo destaca por la fuerza expresiva, el sentido del ritmo y un acertado uso de la polimetría, como demuestran sus célebres "Canción del pirata", "El mendigo", "El verdugo", "El reo de muerte" y la leyenda en verso El estudiante de Salamanca.

De invierno

En invernales horas, mirad a Carolina. 
Medio apelotonada, descansa en el sillón, 
envuelta con su abrigo de marta cibelina 
y no lejos del fuego que brilla en el salón. 

El fino angora blanco junto a ella se reclina, 
rozando con su hocico la falda de Aleçón, 
no lejos de las jarras de porcelana china 
que medio oculta un biombo de seda del Japón. 

Con sus sutiles filtros la invade un dulce sueño: 
entro, sin hacer ruido: dejo mi abrigo gris; 
voy a besar su rostro, rosado y halagüeño 

como una rosa roja que fuera flor de lis. 
Abre los ojos; mírame con su mirar risueño, 
y en tanto cae la nieve del cielo de París.


Rubén DARÍO


En la primera estrofa Rubén describe la escena donde encontramos una chica, Craolina, sentada en un sillón un día de invierno. 

MARTA CIBELINA = Chaqueta de bisonte

En la segunda profundiza en la descripción y ahora descubrimos que tiene un gato (fino angora blanco). Además, Darío era un entusiasta del exotismo de los objetos orientales y aqui encontramos dos ejemplos "porcelana china" y "biombo de seda del Japón".

En la tercera se centra en un punto de vista más sensorial y estas sensaciones desencadenan en una cuarta estrofa donde hay contraste de conceptos; la calidez del beso contra en frío y la nieve de París.


HALAGÜEÑO = Familiar, a gusto

Yo persigo una forma

Yo persigo una forma que no encuentra mi estilo, 
botón de pensamiento que busca ser la rosa; 
se anuncia con un beso que en mis labios se posa 
el abrazo imposible de la Venus de Milo. 

Adornan verdes palmas el blanco peristilo; 
los astros me han predicho la visión de la Diosa; 
y en mi alma reposa la luz como reposa 
el ave de la luna sobre un lago tranquilo. 

Y no hallo sino la palabra que huye, 
la iniciación melódica que de la flauta fluye 
y la barca del sueño que en el espacio boga; 

y bajo la ventana de mi Bella-Durmiente, 
el sollozo continuo del chorro de la fuente 
y el cuello del gran cisne blanco que me interroga.


Rubén DARÍO


En la primera estrofa habla sobre la perfección; la rosa y el beso son los signos más claros. Además, habla del abrazo imposible de la Venus de Milo porque esta estatua es conocida por no poseer brazos.

En la segunda, en el primer verso nos describe la belleza griega se ve cuando habla del blanco peristilo (los templos griegos). En el segundo habla de la belleza y perfección de la Diosa Venus y hace referencia a su previsión del futuro, es decir, Darío cree que podrá tocar la perfección escribiendo. En el tercero y cuarto habla de la pureza de luz blanca y es tan pura que el reflejo de la luna lo llama "el ave de la luna".

En la tercera estrofa Darío explica que él intenta buscar la perfección pero no la encuentra "en el espacio boga".

Y en la cuarta describe la escena con una técnica muy característica de Rubén Darío: los campos sensoriales.
El cisne lo interroga porque el cuello del cisne tiene forma de interrogante.

JARCHAS

INTRODUCCIÓN
                Entre los siglos XI y XIII, los poetas cultos andalusíes de la Península Ibérica, tanto árabes como hebreos, cultivan la moaxaja. Se trata de un tipo de poema escrito en árabe o hebreo pero rematado con unos pocos versos en mozárabe, la lengua románica contaminada de árabe que se hablaba en la España islámica. Esos versos finales reciben el nombre de jarcha, voz árabe que significa "salida" o "remate", y proceden de canciones anónimas que circulan por la España de la época. Por lo general, la jarcha recoge la voz de una joven que lamenta la ausencia de su amado, al que suele referirse con la palabra habib ("amigo" o "amante"). La propia madre o las hermanas de la muchacha obran como confidentes de su pena, que es expresada con sencillez y espontaneidad, y casi siempre por medio de interjecciones y preguntas, lo que le da a la jarcha una inusitada intensidad lírica.

VAYSE MEU CORACHÓN DE MIB

Vayse meu corachón de mib.
Ya Rab, ¿si me tornarád?
¡Tan mal meu doler li-l-habib!
Enfermo yed, ¿cuánd sanarád?


Cuando habla de "el corachón" hace referéncia al habib, su amado.
En el segundo verso lamenta la ausencia del amado y se pregunta si volverá.
En los dos últimos versos; sigue lamentando la ausencia del amado (En algunas traducciones encontramos que habib es traducido como "amigo")


GARID VOS, AY YERMANIELLAS

Garid vos, ¡ay yermaniellas!,
¿cóm' contenir el mío male?
Sin el habib non vivreyo:
¿ad ob l'irey demandare?

En el primer verso se nos muestra el receptor, las hermanas.
El segundo verso es la queja de la amada; tiene pena de amor, mal de amor (el mío male)
Y los los dos últimos nos explica la asusencia del amado.


¿QUÉ FARÉ, MAMMA?

¿Qué faré, mamma? 
Meu al-haib est ad yana.

En esta jarcha sabemos que el emisor se encuentra dentro de su casa hablando con su madre (receptor)  ya que la traducción es la siguiente: <<¿Qué haré, madre? Mi amado está en la puerta>>

SIGNIFÍCASE LA PROPIA BREVEDAD DE LA VIDA, SIN PENSAR, Y CON PADECER, SALTEADA DE LA MUERTE

¡Fue sueño ayer; mañana será tierra!
¡Poco antes, nada; y poco después, humo!
¡Y destino ambiciones, y presumo
apenas punto al cerco que me cierra!

Breve combate de importuna guerra,
en mi defensa soy peligro sumo;
y mientras con mis armas me consumo,
menos me hospeda el cuerpo, que me entierra.

 Ya no es ayer; mañana no ha llegado;
hoy pasa, y es, y fue, con movimiento
que a la muerte me lleva despeñado.

Azadas son la hora y el momento,
que, a jornal de mi pena y mi cuidado,
cavan en mi vivir mi monumento.


Francisco de Quevedo


En este poema se manifiesta la propia brevedad de la vida que se ve asaltada por la muerte inesperada (salteada). Denota un claro pesimismo y llega a ser conceptista.

En el primer verso encontramos una antítesis ya que habla de un ayer que se convierte en mañana (ayer -contrario de- mañana). Cuando dice "mañana será tierra" quiere decir que llegará la verdad, es decir, que morirá. Toda la primera estrofa denota existencialismo.

En el primer verso de la segunda estrofa habla de una importuna guerra, es decir que no importan; hacen referencia a la perdida de colonias del imperio español de entonces.

En la tercera estrofa el tiempo ha pasado. Pasa el tiempo y cada vez está más cerca de la muerte (Ya no es ayer [...] la muerte me lleva despeñado).

Y en la última estrofa cuenta que están cavando su tumba mientras él sigue vivo. El último verso es un juego de palabras; El tiempo es como un jornalero que, pagado por el sufrimiento (pena y cuidado), cava en la vida del poeta su sepultura (monumento).


El poema insiste en la íntima conexión entre la vida y la muerte ya que son fuerzas casi idénticas.